Chelsea es muy guapa. Y elegante, refinada, sofisticada, educada, amable, segura de sí misma… Chelsea es todo lo que quieras que sea, por un precio. Porque Chelsea es una escort-girl: una prostituta de lujo. Pero lo que ella ofrece es especial: una ‘girlfriend experience’. Por 2.000 dólares la hora, ella es la novia perfecta: acompaña a sus clientes al cine, al museo, a cenar, conversa con ellos, los escucha, les aconseja sobre sus problemas… El sexo está permitido, pero no es obligatorio. En el fondo, los clientes de Chelsea solamente buscan la ilusión de que no están solos.

El verdadero nombre de Chelsea es Christine. También tiene un novio. Pero no es seguro que esté enamorada de él. Posiblemente, sólo busca la misma ilusión que proporciona a sus clientes: la ilusión de estabilidad, la ilusión de que no está sola.

Porque en esta película todo el mundo está solo.

The girlfriend experience (2009) es un drama experimental dirigido por Steven Soderbergh, con un presupuesto de 1,3 millones de dólares, grabado directamente con vídeo digital y en el que la protagonista, Sasha Gray, es la única actriz profesional.

Con esta historia minimalista Soderbergh invita a reflexionar sobre la profunda soledad de las personas, sus deseos y sus necesidades. También sobre la hipocresía, el dinero y lo que se puede comprar con él, porque, si se puede comprar la ilusión de cariño, ¿qué queda que no se pueda comprar? Y más: en una relación tan falsa, si una de las partes la cree verdadera, ¿sigue siendo falsa?

Formalmente es absorbente, por su estética contemporánea fundida con la Nouvelle Vague. La historia se construye sobre fragmentos desordenados y conversaciones inconexas: un puzzle de planos largos, desenfocados, a veces totalmente irrelevantes, pasados por filtros de fría luz azul. Los espacios, los diálogos (probablemente improvisados) y la música (totalmente underscore ambiental) reducidos a la mínima expresión. Todo contribuye al distanciamiento, a levantar una barrera emocional entre Christine y el espectador, exactamente igual que la que existe entre Chelsea y sus clientes.

En su frialdad, su minimalismo, su estética experimental y su dureza argumental, The girlfriend experience no es para todo el mundo. Sólo para clientes selectos.

Chelsea is very beautiful. And elegant, refined, sophisticated, well-mannered, kind, self-confident… Chelsea is whatever you want her to be, for a price. Because Chelsea is a escort: a high-dollar prostitute. But what she offers is special: a ‘girlfriend experience’. For 2.000 dollars per hour, she’s the perfect girlfriend: she goes out with her clients, to the cinema, to a museum, to have dinner, she talks with them, listen to them, give advices… Sex is permited, but it’s not obligatory. After all, Chelsea’s clients only look for the illusion that they’re not alone.

Chelsea’s real name is Christine. She also have a boyfriend. But it is unsure if she’s in love with him. Probably, she only seeks the same illusion that she brings to her clients: the illusion of stability, the illusion that she’s not alone.

Because everybody is alone in this movie.

The girlfriend experience (2009) is an experimental drama directed by Steven Soderbergh, with a 1.3 million dollar budget, filmed entirely digital and the protagonist, Sasha Gray, being the only professional of the cast.

With this minimalistic story, Soderbergh invites us to think about the deep solitude of the people, their wishes and needs. Also about hypocrisy, money and what can be bought, because, if the illusion of affection can be bought, then, what’s left that couldn’t be? And more: in such a false relationship, if one of the participants believes it to be true, is it still false?

In its form, it’s absorbing in its contemporary aesthetic mixed with the French New Wave. The story builds up on disorganized fragments and unconnected conversations: a puzzle of long, out of focus shots, sometimes totally irrelevant, passed by cold blue light filters. The spaces, the dialogues (probably improvised) and the totally ambiental underscore music are reduced to the minimum. Everything contributes to create a distance, to build an emotional barrier between Christine and the spectator, the same barrier that exists between Chelsea and her clients.

In its coldness, its minimalism, its experimental aesthetics and its argumental hardness, The girlfriend experience is not for everyone. Only for selected clients.

La mirada más penetrante del siglo XX.

La fotografía, tomada por Steve McCurry ilustró la portada de National Geographic en junio de 1985. Era conocida como la niña afgana. Tenía 12 años y en 1984 vivía en el campamento de refugiados de Nasir Bagh (Pakistán). Nada más se sabía de ella.

El propio McCurry y un equipo de la National Geographic la buscó de nuevo durante 17 años, hasta que en 2002 la encontró de nuevo, convertida en mujer. Sólo entonces se supo su nombre: Sharbat Gula. Vivía en una aldea remota de Afganistán, casada y madre de tres hijas. Nunca la habían vuelto a fotografiar y por supuesto no tenía conocimiento de la fama de su primer y único retrato.

Hoy, Sharbat Gula ha vuelto al anonimato. “Ella no dará ninguna otra entrevista a los medios y no desea que se contacte con ella.” Preguntado si Sharbat se beneficiaría económicamente de su famosa imagen, National Geographic ha dicho: “se está cuidando de ella.”

La National Geographic Society mantiene un fondo de ayuda al desarrollo y la educación de los niños y mujeres afganas en su honor. Se pueden hacer donaciones online o enviando un cheque directamente a National Geographic Afghan Girls Fund, Development Office, National Geographic Society, 1145 17th Street N.W., Washington, D.C., 20036

Fuente: www.wikipedia.org / www.nationalgeographic.com

The most penetrating look of the 20th century.

The picture, taken by Steve McCurry, illustrated the National Geographic magazine cover on June 1985. She was only known as the afghan girl. She was twelve and, in 1984, lived in the Nasir Bagh refugee camp (Pakistan). Nothing else was known.

McCurry himself and a National Geographic team tried to locate her again for 17 years, until they found her in 2002, now a married woman, mother of three children, living in a remote region of Afghanistan. Only then they knew her name: Sharbat Gula. No one has ever taken another picture of her, and she was totally unaware about her famous first and only portrait.

Today, Sharbat Gula has returned to anonymity. “She will not give another media interview and she wishes not to be contacted.” Asked if Sharbat would benefit financially from her famous image, National Geographic said she was “being looked after.”

National Geographic Society keeps a fund in her honor to help and educate afghan children and women. Contributions can be made online to the National Geographic Afghan Girls Fund or by sending a check directly to the National Geographic Afghan Girls Fund, Development Office, National Geographic Society, 1145 17th Street N.W., Washington, D.C., 20036.

Sources: www.wikipedia.org / www.nationalgeographic.com

¿Qué logotipo te parece más adecuado?

Se trata de tres propuestas de logo para un hotel-restaurante de tres estrellas, clásico, con terraza y piscina, enmarcado en una zona de monte y rodeado de cotos de caza, de ahí su nombre.

Es importante. Por favor, opina y deja tu comentario. Gracias.

El 9 de agosto de 1945, a las 11:02 a.m., el Sol brilló más que nunca en la ciudad. Solo que no era el Sol. Y ya no hubo más ciudad. Ni más sol. Ni nada. El Hombre Gordo había estado en Nagasaki.

On August 9th, 1945, at 11:02 a.m., the Sun shined more than ever over the city. But it wasn’t the Sun. And there were no city anymore. Nor Sun. Nor anything. The Fat Man had been to Nagasaki.

Película de animación igual a película infantil. Falso. Ya se veía venir. Desde la fundacional Toy Story (1995) hasta la desmitificadora Los increíbles (2004), pasando por la inquietante Wall-E (2008), el cine de animación contemporáneo se ha convertido en recipiente para las historias más originales y al mismo tiempo transmisor de aquellos mensajes que el cine convencional no quiere, no sabe o no se atreve a enviar. En parte por la necesidad de atraer a la sala a progenitores pagadores de entradas, en parte por la libertad que permite que el falso axioma que abría este párrafo siga vigente en la mente de muchos.

Y era sólo cuestión de tiempo que llegase la crepuscular Up (P. Docter, B. Peterson, 2009): protagonizada por un anciano y un niño, es una dura metáfora vital camuflada con el necesario colorido de una producción Pixar.

En Up hay humor, aventuras, acción… Pero quien quiera ver verá también en la literalidad de llevar la casa a cuestas una metáfora del peso vital que elegimos llevar sobre nuestros hombros y la necesidad, antes o después, de soltar lastre para poder continuar. Que los ídolos de antaño, sin el prisma de la inocencia, quizá no son tan admirables. Que la vida sigue a pesar de las pérdidas y que nunca es tarde para rectificar. Que la búsqueda de un sueño inalcanzable nos puede cegar hasta impedir que nos demos cuenta de los momentos felices que ya tuvimos. Y que hay lecciones en la vida que sólo alguien que ya ha vivido mucho puede enseñar.

En forma, Up encantará a los más pequeños por su humor, sus escenas de acción y sus espectaculares paisajes tridimensionales. En cambio, en esencia, está muy lejos de los cuentos de hadas para niños de Disney y mucho más cerca de, por ejemplo, Gran Torino (C. Eastwood, 2008).

Y el convencional y predecible happy ending no es suficiente para hacer olvidar el impacto emocional de los primeros diez minutos, los más tristes que se hayan visto en una película de animación en los últimos tiempos.

Animated film equals to childish film. False. It could have been seen coming. Since the founding Toy Story (1995) to the desmythifying The incredibles (2004), through the disturbing Wall-E (2008), contemporary animated movies have become a container for the most original stories and, at the same time, transmitter of those messages that conventional cinema doesn’t want to, doesn’t know how to, or doesn’t dare to transmit. Partly because of the need to bring ticket-buyer parents to cinemas, partly because of the freedom allowed by the validity of the false axiom that opened this paragraph.

And it was just a matter of time for the twilighted Up (P. Docter, B. Peterson, 2009) to arrive: starring an old man and a child, it is a hard vital metaphor disguised in a colourful Pixar production.

In Up there’s humor, adventure, action… But, whoever want to see, will see, in the literal act of carrying a house, a metaphor of the vital weight we choose to carry on our shoulders and the need, sooner or later, to get rid of ballast just to go on. That old days idols, without the prism of innocence, might be not so admirable. That life goes on despite the loosses and that it’s never late to change. That searching an unreachable dream might blind us to the point of not being able to see the happy moments we already lived. And that there are life lessons that can only be taught by someone who already lived enough.

In its form, Up will enrapture the children for its humor, action sequences and awesome tridimiensional landscapes. However, in its essence, the film is far from Disney’s fairy tales and much closer, for instance, to Gran Torino (C. Eastwood, 2008).

And the conventional and predictable happy ending is not enough to make you forget the emotional impact of the first ten minutes, the saddest seen in an animated feature film for a long time.

Los mundos de Coraline son los mundos de Neil Gaiman. Uno que va camino a casa dirá que el mejor autor de ciencia ficción y fantasía de los últimos tiempos. En cualquier caso, los mundos de Neil Gaiman, o de Coraline, no son un lugar en el que uno querría estar.

El mundo real de Coraline, no Caroline, es tan gris como un uniforme escolar, las ventanas tienen goteras, hay acelgas para comer, el vecino es un actor circense venido a menos, su mejor amigo es un insoportable niño charlatán y sus padres le prestan la misma atención que a un mueble. En cambio, el mundo fantástico de Coraline, ese al que se llega a través de la puerta secreta es… fantástico. Sorprendentemente parecido al real, pero inquietantemente siniestro a la vez. El jardín es mágico y colorido, hay pollo y tarta para cenar, el espectáculo circense del vecino haría palidecer al Cirque du Soleil y, lo más importante: para sus padres Coraline es la reina de la casa. Que el chico charlatán haya perdido la voz parece un detalle menor. Y coserse unos botones a los ojos es un sacrificio pequeño a cambio de la felicidad completa. Otros lo hicieron antes, ¿verdad, niños fantasma? Si no fuese por ese gato que habla y esos guantes de rayas de colores…

Coraline y la puerta secreta es una historia de fantasía que Gaiman escribió para sus hijas, una traslación del cuento de Hansel y Gretel que Henry Selick (director de Pesadilla antes de Navidad) ha convertido en una brillante película de animación en stop motion, uniendo la excelencia técnica a una historia de fantasía, aventuras y terror a partes iguales, elementos a los que contribuye la experimental partitura de Bruno Coulais.

La cuestión de fondo parece ser: cuidado con lo que deseas… Aunque también podría ser: las puertas secretas no son secretas por nada… Y los mundos de Neil Gaiman, o los mundos de Coraline, no son un lugar en el que uno querría estar. Después de todo, Gaiman es el autor de The Sandman, el que trae los sueños, y la hermana mayor de Sandman es una muchacha pálida de pelo negro llamada Muerte…